martes, 1 de noviembre de 2016

Depuracion y no morir en el intento

Ok, primero momento de reflexión... ¿Cuántas fotografías haces para conseguir una buena toma?

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Es escencial que piensesn en eso, aunque también existen tomas que deben ser disparadas muy rápido, hay que recordar que quien esta detras de la cámara, mejor dicho de la mágia, eres tú, el pintor de luz. Como consejo es bueno hacer un chequeo sobre todos los valores y elementos de la cámara, con el tiempo esto se volvera automatico, pero mientras tanto en la práctica hay que chacar todo, TODO; todo lo técnico - exposición, iso, formato, si es jpg o raw, el enfoque, velocidad, apertura, ángulo de visión- y todo lo compositivo -la distribución de los elementos, el horizonte, cuidar que no haya una señora atras vestida de rojo pasión  que detras de nuestro objeto principal no haya otros elementos que roben la atensión, si tomamos a alguien caminando cuidar el ritmo de los pasos para que no salgan con las piernas extrañas, la expresión del rostro de una modelo-  

Dirigir



Bien, creo que a muchos cuando empezamos nos cuesta trabajo tener claramente que hacer con un retrato, sobre todo cuando nos sentimos fotógrafo documental y damos excusas escudamos nuestro actuar en: "es que no quiero decir nada, quiero que salga natural"... pero no mis queridos, después de recorrer un tramo en foto, te das cuenta que eso es incomodo, que las fotos salen fingidas, causa ansiedad a la persona fotografiada y si eso se traduce en una foto tensa, en posturas fingidas e inseguridad al modelo.
Debo dejar claro que es diferente tomar una foto cuando se tiene descuidada a una persona y cuando es obvio que le estamos tomando una foto e invadimos el espacio personal de alguien para retratar el bonito color de sus ojos por ejemplo, entonces, en el caso de la foto del bonito color de ojos debemos hacer sentir a la persona cómoda para tomar la esencia de esa persona. 

descripción gráfica:




La cosa no es tener un objetivo telefoto y tomar la fotografía a 100 kilometros, no es no estar ahí para captar la esencia de las personas sino mimetizarse para que parezca que no estas. Llegar al punto de que los modelos se sientan cómodos y muestren su verdadera forma de ser.



Otro ejemplo muy claro es la foto de Marilyn Monroe, que siempre fue retratada como un símbolo sexual, muy sensual, pero en una foto pudo ser capturada con la mirada real:





Aunque la magia a demás de capturar una esencia es saber dirigir para mantener la intensión, narrar la historia que queremos mostrar con un disparo. Lo que me recuerda:

"En ocasiones la realidad no es suficiente para hablar de lo que esta pasando"

Nosotros como fotógrafo, un pintor de luz, debemos escoger los colores, la distancia, la sensación, cada detalle en el encuadre como si se tratase de una pintura o un dibujo, no es solo disparar y a ver si se ve bonita, eso cualquiera. Ademas de fotógrafos, de pintores debemos ser escritores de las pequeñas historias que se plasman en nuestras imágenes. Y para poder hacer lo que uno desea tiene herramientas a la mano para dirigir todo el montaje, lo más importante es el dialogo y la visualización mental de la foto. Si se trabaja con modelos hay que saber encaminar a la persona para lograr la expresión que buscamos, lo que pensamos en transmitir introduciendo a esta figura humana en la toma...




Y para terminar, comparto este vídeo que es muy especifico sobre que podemos hacer para mejorar la dirección... ;)



Manejo de Luces


Para ser fotógrafo uno debe entender que su materia prima es la luz. Es importante saber e identificar los efectos, sensaciones y en que momento usar un determinado tipo de luz y como maniobrarla.
Luz cenital, directa, difusa, lateral, contrapicada, suave, denza, escasa, luz, lucesita, lucesotas... es importante saberlas al derecho y al reves y como interactuan con los cuerpos, las replecciones y rebotes... los rebotes sobre todo.
Todo tranquilo que con la practica y una aguda observación esto es pan comido.

Primero, entender los fundamentales:
  • FRONTAL se ilumina directamente al sujeto u objeto de la imagen, de modo que el que la toma tiene la luz a sus espaldas.
  • LATERAL - la fuente de luz está a un lado del sujeto u objeto de la imagen.
  • CONTRALUZ- la luz se sitúa detras del sujeto u objeto de la imagen.
  • CENITAL - al sujeto u objeto se le ilumina desde arriba.
  • CONTRAPICADO - al sujeto u objeto se le ilumina desde abajo.

Como pueden ver, la diferencia del carácter de la foto con el cambio de luz.

Para finalizar, un video sobre luz natural y como podemos utilizar el kit de 5 en 1 de rebotadores y difusor...


jueves, 6 de octubre de 2016

Retrato con luz natural y artificial

Retrato con luz natural y artificial

Luz Natural; Luz producida por el Sol.
Luz Artificial; Luz que no es solar, principalmente la eléctrica. 

OBSERVAR LA LUZ

Es importante ser conscientes del manejo de la luz pues es la materia indispensable, la herramienta base de la fotografía. Permite hacer resaltar la fisionomía del sujeto u objeto a fotografiar.
Los aspectos importantes son;
La inclinación.
La temperatura.
El fondo de apoyo.
El sujeto destacado.
Los primeros dos inciden en la sensación e intensión de la foto. Mientras los últimos dos son los elementos compositivos.  
Con los elementos compositivos hay que ser cuidadosos y plantear la pregunta clave: ¿qué quiero decir? Para saber qué es lo que hay que resaltar.
El fondo debe ser un apoyo para el sujeto u objeto central.
Y hablando de retratos un tip es tratar de respetar la perspectiva a la altura de los ojos, una toma en picada puede denotar que somos unos soberbios.

LUZ DURA Y SUAVE

La luz dura es intensa y directa.
Se notan las sombras y las luces contrastadas.
La luz suave, por el contrario, es blanda e ilumina de forma casi total al sujeto y en ocasiones al fondo.
El uso del flash

Para causar efectos interesantes; Iluminaciones, juegos de movimiento, vértigo, larga exposición.

Fotógrafo; Joel Peter Witkin

JOEL PETER WITKIN

LA MUERTE CONVERTIDA EN ARTE




13 de septiembre de 1939 (edad 77), Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos.

Respecto a fotografía post mortem Witkin se corona como un creador de arte insólito. JPW impacta a la conciencia, alimenta la morbosidad, nos presenta una realidad que nos supera. Existe una delgada línea entre lo seductor y la repulsión y  el juicio, es difícil definir donde queda una parte y donde la otra.

Se contrapone a lo denominado arte, lo bello pero su mensaje persiste como lo bello, lo bueno de una forma irónica. Inmortaliza a esos seres que la sociedad rechaza, que olvida, que tapa con un dedo. El los hace resurgir y los revela, los muestra de tal forma que nos impacta. Además su obra no quiere romper con reglas formales al contrario, imita a los artistas renacentistas, está influenciado por el barroco tenebrista y el manierismo.

Su atracción por tales ambientes se originó cuando él era un niño. Bueno, en realidad hay diferentes versiones: la primera es que cuando iba a la iglesia, con su hermano gemelo y su mamá, presenció un terrible choque y de éste salió una cabeza volando hacia él. La segunda versión retoma sus días en el ejército, periodo en que fotografió los cuerpos de soldados que se suicidaron o murieron durante la Guerra de Vietnam.

Y la tercera (la oficial): "Cuando ya era adolescente, mi abuela tuvo un accidente y su pierna se empezó a gangrenar. Cuando me levantaba, la casa se llenaba con ese olor a café y la pierna de mi abuela, y acabé asociando el dolor con el amor”, dijo para una entrevista con Eva M. Contreras en el marco de PHotoEspaña 2003. 

face of a woman...











El análisis ofrecido por MARISOL MONROY, http://teoriadelarte3marisolmonroyrocha.blogspot.mx/2012/09/analisis-el-beso-peter-witkin.html
sobre la obra El beso; es muy puntual sobre el trabajo de Witkin;
Witkin crea un mundo en el que es posible despedazar las consignas morales de la sociedad. En esta realidad que nos presenta el artista plantea temas que han incomodado a la sociedad por mucho tiempo como es la sexualidad, homosexualidad, la muerte, la enfermedad, las deformaciones. Con su obra hace que nos enfrentemos a una realidad escondida, es como si destapara verdades, nos muestra lo prohibido, lo que una mamá no dejaría ver a su hijo, rompe códigos sociales, cuestionándolos. Cuestiona la tradición social que dicta desde tiempos remotos que el cuerpo aunque sea sin vida es algo sagrado e inviolable, Witkin lo viola, viola reglas morales.

Otro aspecto importante que resaltar es su técnica, la manipulación de la película  para crear este efecto de fotografía antigua.






Recomiendo la lectura; http://www.tesis.uchile.cl/tesis/uchile/2007/franceschini_c/sources/franceschini_c.pdf








Su trabajo “trata del amor secreto, el más profundo, maduro, llevadero  y sagrado”.
J.P. Witkin

viernes, 30 de septiembre de 2016

Fotógrafos: Alfred Stieglitz









ALFRED STIEGLITZ

LA FOTOGRAFÍA COMO ARTE






1 de enero de 1864, Hoboken, Nueva Jersey, Estados Unidos

Alfred Stieglitz fotógrafo estadounidense, de origen judío-alemán.



Alfred Stieglitz fue uno de esos «revolucionarios». Quizás el más influyente de todos ellos. Su vida está repleta de vaivenes, conflictos, éxitos y decepciones; pero, sin duda, es y será recordado por haber logrado que la fotografía dejase de ser un ejercicio menor y empezase a ser respetada como una auténtica forma de arte. Así era Stieglitz. Y este es su legado.

Alfred compró su primera cámara fotográfica en esa época, con 18 o 19 años, y no se lo pensó dos veces: la agarró y se fue de viaje por Europa Central. No solo recorrió Alemania, sino también Italia y los Países Bajos, y, al parecer, aprovechó todas las oportunidades que se le presentaron para retratar a los campesinos con los que tropezó, y también para practicar fotografía de paisajes. Pero poco después, cuando tenía 20 años, su vida dio un nuevo giro: sus padres decidieron regresar a Estados Unidos. Alfred consideró que debía continuar formándose en Europa, así que decidió quedarse en Alemania y aprovechó la ocasión para empezar a dar forma a una colección muy respetable de libros de fotografía que devoró durante la década de los años 80 del siglo XIX.
































Su fotografía tiene una nueva visión. También nos habla de una evolución y un recorrido por la vida, nos hace participes de su vida a través de los retratos de su esposa y nos revela un hombre con un carácter místico  y artístico.























“En la fotografía hay una realidad tan sutil que llega a ser más real que la realidad.”
Alfred Stieglitz.















Fotógrafos: Francisco Mata Rosas



FRÁNCISCO MATA ROSAS

 NUEVO FOTOPERIODISMO MEXICANO




1958, Ciudad de México.  Fotógrafo mexicano. Es uno de los exponentes más reconocidos de la fotografía contemporánea. 

En la casa del pequeño Francisco siempre estuvo presente la fotografía. El padre es un fotógrafo aficionado de alto nivel. Además de cámaras, las revistas fotográficas abundaron en el hogar de los Mata Rosas.





















A Francisco le queda muy claro que el fotógrafo siempre sale sobrando en un lugar: “…a mí me gusta tra­ba­jar con mucha hones­ti­dad. Mis par­ti­ci­pa­cio­nes son abier­tas. Las per­so­nas saben que voy a eso.”


Las fotografías de Mata Rosas son claramente honestas, hablan de las personas por la calle, de lo que hace el mexicano, nos narran pequeñas historias, atrae su personalidad que se plasma en cada disparo.
Juega con el movimiento, las composiciones y los mensajes compuestos.
Otro punto muy importante es que sabe acercarse a las personas, tomar los momentos indicados que trabaja en su mente, sabe narrar lo que sucede.  

















A Francisco le queda muy claro que el fotógrafo siempre sale sobrando en un lugar: “…a mí me gusta trabajar con mucha honestidad. Mis participaciones son abiertas. Las personas saben que voy a eso. Cuando realizó su proyecto en el Metro nunca escondió, cosa que sí hizo Walker Evans– su cámara. Era abierto con la gente: “es como decirles: si tú vendes discos, si tú eres prostituta, si tú eres policía… yo soy fotógrafo. Cada quien haga su chamba.

Su fotografía, el trabajo de investigación, reflexión, análisis y sentido crítico que ha realizado en los últimos 15 años lo convierten en uno de los intelectuales e indagadores más puntuales sobre la fotografía en su expresión contemporánea.



























“La fotografía me ha hecho compartir y conversar, me ha enseñado a ser paciente, intolerante cuando es necesario, y tolerante por convicción; me ha mostrado la belleza de lo heterogéneo y lo diverso, me ha dejado tratar de ser una mejor persona.”
 Fráncico Mata Rosas








Sitio: http://www.franciscomata.com.mxl