viernes, 2 de diciembre de 2016

Bodegón


Si bodegones... ¿qué es un bodegón?
                 conjunto de objetos, inanimados o en algunos casos vivos- que hacen una composición                             intencionada por el artista para generar una escena.

Algunos dicen que es solo naturaleza muerta, y sí yo creo que está muy muerta por aburrida   sin embargo, algunos contemporáneos han aprovechado sus disparos para hacer composiciones inesperadas.

El bodegón en mi opinión, me recuerda siempre a los cuadros de la abuela, esos de frutas con una luz taciturna, queriendo ser misteriosa no le sale, y una técnica al oleo un tanto renacentista, colgados en el comedor. Pero cuando te pones a pensar en que ya es siglo XXI, puedes darte cuenta del sin número de propuestas interesantes de los fotógrafos, del diseño que conlleva hacer un bodegón publicitario por ejemplo.













Carl Warner, por ejemplo, es un fotógrafo de bodegones impresionante donde regresa mundos fantásticos con vegetales y frutas.



La composición con otros objetos y las escalas de colores, los dichos pantones. Aunque, sí detenidamente observamos, es un bodegón a fin de cuentas <.<...







Siguiendo con los ejemplos de comida, la fotógrafa Beth Galton y la estilista de comida Charlotte Omnes, hacen bodegones distintos. 
















Otros ejemplos 







Así que de tarea queda ser más observadores y una vez alimentados, pensar en una posible propuesta con nuestro estilo e ideas para hacer un bodegón.














Recetarios- más foto de comida




Los recetarios nos muestran las formulas. Podemos ponernos un delantal y sentirnos unos brujitos  cocineros, esperando preparar una comida tan deliciosa como la de la fotografía, pues de la vista sale el amor, pero oh sorpresa...


Una prespectiva vs realidad 

Y bueno, a veces esto pueda ser por nuestros pésimos dotes distraernos como cocineros, pero en una gran mayoría se debe a como están tomadas las fotos, o mejor dicho, de que está hecha "la comida".
Por eso uno debe ser doblemente ingenioso para mostrar en la foto algo que realmente parezca lo que debe parecer y es como dicen algunos; "La realidad a veces no se describe a sí misma" entonces, se tiene que dar un pequeño empujonsito para que se vea antojable. 

Como primer punto es que cuando se trata de hacer producciones impresas es mejor planear bien. Tener una idea que motive al equipo y a trabajar de forma creativa.

Segundo y más importante, es distinguir a que personas va dirigido. Investigar, entender casi convertirse, mejor dicho, vivir un día el estilo de vida de estas personas para discernir entre una idea "buena" y una idea que funcione.

La segunda parte es el tema. Todo debe girar a un tema especifico, o si deseas en varios pero alguno debe predominar. Otro consejo muy útil es pensar en que este tema debe ser  casi una historia, debes tener un inicio, un fin y un gancho, ese pedazo que se saborea con mayor satisfacción.
Por ejemplo, si se hace un recetario fitness podría "contarse la historia" como un día con una chica saludable, y el transcurso del día - el transcurso de las páginas- te muestren propuestas de desayuno comida y cena...
O sí es una comida para dos, pues pones una pequeña historia romántica.

No me refiero a hacer una novela ... pero sí a darle un sentido.

Por ultimo aconsejo que confíes en la intuición, si al ver la fotografía no se te antoja la comida, sigue haciendo tomas hasta encontrar la indicada.

Macro fotografía




La odisea y la aventura de adentrarse en los detalles, en las partes más pequeñas de las constituciones de las cosas, es todas estas cosas cotidianas que no tenemos tiempo de ver detenidamente y distinguir estos elementos tan mágicos . Los pelos de una flor, las drenas de una hoja, la cabeza de los insectos... La fotografía macro tiene la capacidad de captar detalles más allá de una simple vista.
Resalta las texturas, plasma los detalles, hace lucir a  los objetos pequeños más interesantes.

Y qué quiere decir Macrofotografía, “Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más grande.

En este tipo de fotografía se debe tomar en cuenta el tamaño del punto de atención y ser muy selectivos, ya que existe una limitada zona de enfoque y no presenta profundidad de campo.







Existen varias formas de llegar a hacer este tipo de fotografías. 
Mario Perez, fundador del Blog del Fotógrafo y autor del libro 365 Consejos de Fotografía, nos comenta de una manera muy puntual algunas de las cuestiones importantes a destacar para hacer y distinguir la fotografía macro, la primera de ellas es :


¿Qué necesito para empezar a hacer fotos Macro?

Aunque muchas cámaras digitales compactas ofrecen un modo “Macro” (normalmente lleva el simbolito de una flor), en realidad no se trata de un modo “Macro” real, sino simplemente de una fotografía de muy de cerca, en la que el sujeto parece grande pero realmente no se alcanza el nivel de “agrandamiento” necesario para poder hablar de una foto Macro.

Como bien dice, no es lo indicado, puede llegar a simular ser una fotograf´ía macro, para ser una real doña señora fotomacro debe pasar la regla de oro... El objetivo, mejor conocido como lente. Los objetivos Macro son objetivos que gozan de la habilidad de poder enfocar a distancia muy muy reducidas. Son objetivos que siguen pudiendo enfocar incluso estando casi pegados al objeto o sujeto que estamos fotografiando.
Sin embargo, existen truquillos para hacer una decente foto macro. 
1- Colocar el lente al revés. Al desmontar el lente de la cámara y colocarlo en posición contraria podremos hacer como un inverso, en vez de ver una imagen general vamos a obtener como una lupa. 

2-Lentillas o lupas; estas tiene la capacidad de simular un lente macro, las lentillas se sobreponen al lente que estes usando y estas actuaran como una lupa y así se acercara mejor a los objetos.

Estas opciones son buenas si nuestro presupuesto es limitado y pueden ser una excelente opción, pero como toda solución barata tiene algunos inconveniente. En el primer caso, poner el lente al revés, se corre el riesgo de que pueda ensuciarse en mecanismo interno de la cámara o del objetivo, que entre alguna basurilla o se ensucie, o incluso podría dañarse el mecanismo si no se tiene cuidado. En el segundo caso, las lentillas son mas seguras, sin embrago, la calidad de la imagen no es tan buena o no son las graduaciones que deseas utilizar. 



En mi caso, las pocas fotografías que he tomado con este efecto son gracias a unas lentillas de la marca Holga, que tienen un precio económico y permiten tener variedad en nuestras propuestas fotográficas. 

fotografos: Mariana Gruener




MARIANA GRUENER


LA CRUDA VERDAD

      




Es una fotógrafa contemporánea mexicana, con una forma de ver las cosas muy particular. Nació en 1976. Cursó la maestría en el School of Visual Arts en N.Y., la licenciatura en periodismo en la Carlos Septién García y tomó talleres en el Centro de la Imagen.













Su narrativa es muy sincera, real, con un grado de tensión latente en los que se capturo un momento antes de la acción. Por otro lado, destaca la parte de los mensajes más allá de lo mostrado. Invitan a la interpretación sugerida y la divagación de las ideas... 










Page: 
http://www.marianagruener.com/




Fotógrafos: Sebastián Suki Beláustegui




SEBASTIÁN SUKI BELÁUSTEGUI


LA FOTOGRAFÍA MUNDIAL CONTEMPORÁNEA




Un gran aventurero, con ojos amables y amistosos, Sebastián Suki es un fotógrafo documentalista. Se ha dedicado desde 1991 a registrar el mundo nativo de Latinoamérica, en 2003 publicó el libro "Guardianes del Tiempo"  Retratos del espíritu de América Latina su trayecto fue en 8 países y convivió con 25 comunidades indígenas. El libro fue prologado por José Saramago, premio Nóbel de literatura.












Sus fotos nos demuestran una postura cómoda, que quiere mostrar una realidad tranquila de las comunidades, una realidad honesta. Suki se sabe mimetizar en las situaciones...




No era a eso exactamente a lo que me referías, pero también funciona...
Si se observa detenidamente sus fotografías, también se aprecia este trabajo y tiempo que se toma para conocer a los habitantes de las comunidades, para llegar a lo que ya mencione, mimetizarse con la comunidad, para estar presente con ellos, escucharlos, hablar con ellos, compartir, para que pareciera que el y su lente son una parte más de lo cotidiano en sus vidas.








trabaja en su nuevo proyecto editorial: "África en América", documentando las herencias culturales africanas vigentes en el continente Americano.


martes, 1 de noviembre de 2016

Depuracion y no morir en el intento

Ok, primero momento de reflexión... ¿Cuántas fotografías haces para conseguir una buena toma?

tic
tac
tic 
tac
.
.
.
Es escencial que piensesn en eso, aunque también existen tomas que deben ser disparadas muy rápido, hay que recordar que quien esta detras de la cámara, mejor dicho de la mágia, eres tú, el pintor de luz. Como consejo es bueno hacer un chequeo sobre todos los valores y elementos de la cámara, con el tiempo esto se volvera automatico, pero mientras tanto en la práctica hay que chacar todo, TODO; todo lo técnico - exposición, iso, formato, si es jpg o raw, el enfoque, velocidad, apertura, ángulo de visión- y todo lo compositivo -la distribución de los elementos, el horizonte, cuidar que no haya una señora atras vestida de rojo pasión  que detras de nuestro objeto principal no haya otros elementos que roben la atensión, si tomamos a alguien caminando cuidar el ritmo de los pasos para que no salgan con las piernas extrañas, la expresión del rostro de una modelo-  

Dirigir



Bien, creo que a muchos cuando empezamos nos cuesta trabajo tener claramente que hacer con un retrato, sobre todo cuando nos sentimos fotógrafo documental y damos excusas escudamos nuestro actuar en: "es que no quiero decir nada, quiero que salga natural"... pero no mis queridos, después de recorrer un tramo en foto, te das cuenta que eso es incomodo, que las fotos salen fingidas, causa ansiedad a la persona fotografiada y si eso se traduce en una foto tensa, en posturas fingidas e inseguridad al modelo.
Debo dejar claro que es diferente tomar una foto cuando se tiene descuidada a una persona y cuando es obvio que le estamos tomando una foto e invadimos el espacio personal de alguien para retratar el bonito color de sus ojos por ejemplo, entonces, en el caso de la foto del bonito color de ojos debemos hacer sentir a la persona cómoda para tomar la esencia de esa persona. 

descripción gráfica:




La cosa no es tener un objetivo telefoto y tomar la fotografía a 100 kilometros, no es no estar ahí para captar la esencia de las personas sino mimetizarse para que parezca que no estas. Llegar al punto de que los modelos se sientan cómodos y muestren su verdadera forma de ser.



Otro ejemplo muy claro es la foto de Marilyn Monroe, que siempre fue retratada como un símbolo sexual, muy sensual, pero en una foto pudo ser capturada con la mirada real:





Aunque la magia a demás de capturar una esencia es saber dirigir para mantener la intensión, narrar la historia que queremos mostrar con un disparo. Lo que me recuerda:

"En ocasiones la realidad no es suficiente para hablar de lo que esta pasando"

Nosotros como fotógrafo, un pintor de luz, debemos escoger los colores, la distancia, la sensación, cada detalle en el encuadre como si se tratase de una pintura o un dibujo, no es solo disparar y a ver si se ve bonita, eso cualquiera. Ademas de fotógrafos, de pintores debemos ser escritores de las pequeñas historias que se plasman en nuestras imágenes. Y para poder hacer lo que uno desea tiene herramientas a la mano para dirigir todo el montaje, lo más importante es el dialogo y la visualización mental de la foto. Si se trabaja con modelos hay que saber encaminar a la persona para lograr la expresión que buscamos, lo que pensamos en transmitir introduciendo a esta figura humana en la toma...




Y para terminar, comparto este vídeo que es muy especifico sobre que podemos hacer para mejorar la dirección... ;)



Manejo de Luces


Para ser fotógrafo uno debe entender que su materia prima es la luz. Es importante saber e identificar los efectos, sensaciones y en que momento usar un determinado tipo de luz y como maniobrarla.
Luz cenital, directa, difusa, lateral, contrapicada, suave, denza, escasa, luz, lucesita, lucesotas... es importante saberlas al derecho y al reves y como interactuan con los cuerpos, las replecciones y rebotes... los rebotes sobre todo.
Todo tranquilo que con la practica y una aguda observación esto es pan comido.

Primero, entender los fundamentales:
  • FRONTAL se ilumina directamente al sujeto u objeto de la imagen, de modo que el que la toma tiene la luz a sus espaldas.
  • LATERAL - la fuente de luz está a un lado del sujeto u objeto de la imagen.
  • CONTRALUZ- la luz se sitúa detras del sujeto u objeto de la imagen.
  • CENITAL - al sujeto u objeto se le ilumina desde arriba.
  • CONTRAPICADO - al sujeto u objeto se le ilumina desde abajo.

Como pueden ver, la diferencia del carácter de la foto con el cambio de luz.

Para finalizar, un video sobre luz natural y como podemos utilizar el kit de 5 en 1 de rebotadores y difusor...


jueves, 6 de octubre de 2016

Retrato con luz natural y artificial

Retrato con luz natural y artificial

Luz Natural; Luz producida por el Sol.
Luz Artificial; Luz que no es solar, principalmente la eléctrica. 

OBSERVAR LA LUZ

Es importante ser conscientes del manejo de la luz pues es la materia indispensable, la herramienta base de la fotografía. Permite hacer resaltar la fisionomía del sujeto u objeto a fotografiar.
Los aspectos importantes son;
La inclinación.
La temperatura.
El fondo de apoyo.
El sujeto destacado.
Los primeros dos inciden en la sensación e intensión de la foto. Mientras los últimos dos son los elementos compositivos.  
Con los elementos compositivos hay que ser cuidadosos y plantear la pregunta clave: ¿qué quiero decir? Para saber qué es lo que hay que resaltar.
El fondo debe ser un apoyo para el sujeto u objeto central.
Y hablando de retratos un tip es tratar de respetar la perspectiva a la altura de los ojos, una toma en picada puede denotar que somos unos soberbios.

LUZ DURA Y SUAVE

La luz dura es intensa y directa.
Se notan las sombras y las luces contrastadas.
La luz suave, por el contrario, es blanda e ilumina de forma casi total al sujeto y en ocasiones al fondo.
El uso del flash

Para causar efectos interesantes; Iluminaciones, juegos de movimiento, vértigo, larga exposición.

Fotógrafo; Joel Peter Witkin

JOEL PETER WITKIN

LA MUERTE CONVERTIDA EN ARTE




13 de septiembre de 1939 (edad 77), Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos.

Respecto a fotografía post mortem Witkin se corona como un creador de arte insólito. JPW impacta a la conciencia, alimenta la morbosidad, nos presenta una realidad que nos supera. Existe una delgada línea entre lo seductor y la repulsión y  el juicio, es difícil definir donde queda una parte y donde la otra.

Se contrapone a lo denominado arte, lo bello pero su mensaje persiste como lo bello, lo bueno de una forma irónica. Inmortaliza a esos seres que la sociedad rechaza, que olvida, que tapa con un dedo. El los hace resurgir y los revela, los muestra de tal forma que nos impacta. Además su obra no quiere romper con reglas formales al contrario, imita a los artistas renacentistas, está influenciado por el barroco tenebrista y el manierismo.

Su atracción por tales ambientes se originó cuando él era un niño. Bueno, en realidad hay diferentes versiones: la primera es que cuando iba a la iglesia, con su hermano gemelo y su mamá, presenció un terrible choque y de éste salió una cabeza volando hacia él. La segunda versión retoma sus días en el ejército, periodo en que fotografió los cuerpos de soldados que se suicidaron o murieron durante la Guerra de Vietnam.

Y la tercera (la oficial): "Cuando ya era adolescente, mi abuela tuvo un accidente y su pierna se empezó a gangrenar. Cuando me levantaba, la casa se llenaba con ese olor a café y la pierna de mi abuela, y acabé asociando el dolor con el amor”, dijo para una entrevista con Eva M. Contreras en el marco de PHotoEspaña 2003. 

face of a woman...











El análisis ofrecido por MARISOL MONROY, http://teoriadelarte3marisolmonroyrocha.blogspot.mx/2012/09/analisis-el-beso-peter-witkin.html
sobre la obra El beso; es muy puntual sobre el trabajo de Witkin;
Witkin crea un mundo en el que es posible despedazar las consignas morales de la sociedad. En esta realidad que nos presenta el artista plantea temas que han incomodado a la sociedad por mucho tiempo como es la sexualidad, homosexualidad, la muerte, la enfermedad, las deformaciones. Con su obra hace que nos enfrentemos a una realidad escondida, es como si destapara verdades, nos muestra lo prohibido, lo que una mamá no dejaría ver a su hijo, rompe códigos sociales, cuestionándolos. Cuestiona la tradición social que dicta desde tiempos remotos que el cuerpo aunque sea sin vida es algo sagrado e inviolable, Witkin lo viola, viola reglas morales.

Otro aspecto importante que resaltar es su técnica, la manipulación de la película  para crear este efecto de fotografía antigua.






Recomiendo la lectura; http://www.tesis.uchile.cl/tesis/uchile/2007/franceschini_c/sources/franceschini_c.pdf








Su trabajo “trata del amor secreto, el más profundo, maduro, llevadero  y sagrado”.
J.P. Witkin